Solo Exhibition The Logic of Ritual by I Made Djirna ogz Gajah Galery @ Sangkring Art Space

Solo Exhibition

I Made Djirna

“The Logic of Ritual”

Opening : Friday, Juli 5 2013  19.30 wib
Exhibition current until : Juli 10 2013

Writed : Wayan Kun Adnyana

The Logic of Ritual

Oleh

Wayan Kun Adnyana

            Praktik ritual menjadi indah karena membutuhkan beragam properti seni, sesaji, dan juga laku pertunjukan mistis. Sesungguhnya ini adalah jalan spiritual, langkah asketik yang privat, karena menyoal keyakinan hati paling pribadi. Seiring lahir kesadaran sosial, jalan spiritual menyemai ikatan komunal. Spiritualitas sosial tidak saja berbondong mencari tempat sunyi nan sakral, juga mencipta ruang-ruang kemeriahan baru yang profan. Tutur indah Ilahi yang di masa lalu ditembangkan sayup penuh berasa, kini terdengar menggelegar dengan pengeras suara. Jalan  ritual seperti menjadi fesyen populer. Teramat banyak komodifikasi properti seni ritual terjadi, seperti produksi dupa dengan label telah terpurifikasi mantra sakti, lomba busana ke pura, hingga reproduksi uang kepeng China kuno.

            Perupa Made Djirna (kelahiran 1957), yang secara sadar mendaki hari-hari untuk membaca dan merefleksi ulang potret ritual Bali masa kini.        Konsep “The Logic of Ritual” menyalin kerangka logika sensasi Deleuze ke dalam konteks; logika perupaan (kerangka representasi atas subyek), dan berurusan dengan logika sublime atas realitas ritual (konsep dan subjek representasi). Djirna sampai pada keputusan tanya ihwal bagaimana generasi Bali harus membeli uang kepeng palsu, semata untuk menjaga keyakinan ritual.  Tindakan ini menjadi awal aksi seni memungut uang kepeng tersebut yang dibiarkan berserak pasca ritual untuk dijadikan karya seni rupa.

            Djirna mencipta dan merumuskan sensasi optis karya justru dengan mentautkan subjek ritual berupa uang kepeng sebagai kolase. Hal ini merupakan bangunan logika sensasi yang genial. Beberapa pengrajin di Bali memang telah membuat kerajinan patung berbaju uang kepeng, tetapi mereka melakukan itu tidak dalam konteks pembertanyaan dan perumusan wacana kritis. Sementara Djirna tegas melandasi ekplorasi medium ini berbasis wacana dan juga konsep artistik visual. Kelebihan ini menjadikan karya-karya Djirna berakrobat memancing selera kritis sosial. Djirna merangkai uang kepeng menjadi baju dan kopiah ala pendekar silat. Begitu menyimak karya ini, seketika rasa kita mengiba kagum sekaligus tersindir. Busana uang kepeng karya Djirna tidak mungkin sejajar dengan sesaji ritual, baik dalam makna maupun presentasi. Tetapi kekaguman yang ditimbulkan nyaris melupakan jarak ritual dengan karya eksperimental Djirna ini. Satu keyakinan betapa ritual sesungguhnya menyulut inspirasi, jika aktor mampu berjarak sekaligus berkenan membuka ruang sunyi penuh tanya.

Made Djirna

The Logic of Ritual

By

Wayan Kun Adnyana

              A ritual practice is beautiful since it involves artistic props, offerings, and mystical performance. Essentially it is a spiritual path, a private ascetical walk, related to a deep personal conviction.  Along with the rise of social awareness, spiritual paths begin to generate communal ties. Social spirituality is not only about pilgrimages to secluded sacred places, but also about creating new spaces for more profane celebrations. The Divine messages, which in the past were sung melodiously full of devotion, are now amplified raucously through loudspeakers. The ritual path is converted into popular fashions. Numerous commodifications of artistic ritual props take place, such as the production of incense sticks carrying label of being sanctified with powerful mantras; fashion competition on best temple dress; and poorly- reproduced old Chinese coins.

            The artist Made Djirna (born in 1957) who has been consciously scaling his days reading and reflecting on the reality of contemporary Balinese rituals. “The Logic of Ritual” concept transcribes into context Deleuze’s framework of the logic of sensation; the logic of visualization (a representation framework of a subject), and deals with the logic of sublime of ritual’s reality (concept and subject representation). Djirna arrives at a questioning decision on how Balinese buy fake Chinese coins only to maintain conviction on rituals. This leads him to start collecting those coins that are left scattered after rituals and turn them into art works.

Djirna creates and formulates the optical sensation of his works simply by attaching together ritual subject such as the Chinese coins into a collage. This is a genuine construct of the logic of sensation. Several craftsmen in Bali have created wooden sculptures wearing Chinese coins attire, but they do so not in the context of questioning and formulating a critical discourse. Meanwhile, Djirna very clearly based his exploration of the medium on a discourse and visual artistic concept. This special gift makes Djirna’s works acrobatically invites the appetite for social critic. Djirna arranges the Chinese coins into a martial art fighter’s attire and head gear. Observing closely this work, we at once feel compassionate admiration and mocked. Djirna’s Chinese coins attire can not compared to ritual offering, neither in meaning nor in presentation. Nonetheless, the awe it creates nearly nullifies the distance between ritual and his experimental works. A conviction of how rituals essentially instigate inspiration, if the actor is able to take a distance and simultaneously is willing to open the wondrous silent space.

“Satu natah tiga langit, LANGIT GEMILANG ” @ Sangkring Art Project

Group Exhibition

“Satu natah tiga langit, LANGIT GEMILANG ”

-ida bagus putu purwa, v dedy reru, wayan paramartha, Made Dollar Astawa, Wayan Anyon Mullastra, Made Budi Adnyana, Anak Agung Ngurah Paramartha, Made Romi Sukadana, Apel Hendrawan, Ketut eja astawa-

Opening : Tuesday, Juni 18 2013  19.30 wib
Exhibition current until : Juni 27 2013

“Satu natah tiga langit, LANGIT GEMILANG ”

Natah sebagai suatu ruang sosial melahirkan sistem kekerabatan yang diwujudkan
dalam konsep “nyama satu natah”, saudara satu halaman. Sebab orang Bali zaman
dulu menetap di dalam keluarga besar yang disatukan oleh natah dan sanggah/
merajan (tempat suci keluarga). Dalam konteks yang lebih luas, natah menjadi
teritori atau wilayah. Natah bisa juga bermakna tanah kelahiran atau pun domisili.
Sanur adalah natah bagi orang Sanur. Begitu juga Bali adalah natah bagi orang
Bali. Dunia seni rupa adalah natah bagi kaum perupa. Ten Fine Art adalah natah
bagi para anggotanya. Tentu saja, natah perlu dibela jika ada yang ingin
menghancurkannya. Namun, natah juga perlu dikritisi (autokritik).
Pameran “Satu Natah, Tiga Langit” ini mengacu pada konsep natah di atas. Meski
berbeda karakter karya, para perupa yang berpameran berasal dari satu natah,
yakni natah Ten Fine Art, natah yang telah ditata dan dihuninya dengan suka dan
duka sejak 2004. Di satu natah itu mereka tumbuh bersama, bermain, berkarya,
berdiskusi, berdebat, dan saling menjajal kemampuan masing-masing dalam arena
seni rupa. Mereka berada dalam ikatan keluarga besar dengan solidaritas yang
kuat dan saling menghargai satu sama lain.
Pameran ini tidak hanya digelar di Sanur di bawah naungan “gemintang”, namun
juga menyambangi Jakarta yang “benderang” dan Yogyakarta untuk meraih
“gemilang”. Berangkat dari satu natah, mereka merasakan dan menghayati tiga
langit. Dalam konteks ini, langit adalah atmosfir, suatu konsep yang berbeda
dengan natah yang merujuk pada tanah kelahiran atau pun teritori. Atmosfir sosial,
seni, dan budaya di Bali tentu berbeda dengan di dua tempat tersebut. Adalah
menjadi tantangan tersendiri bagaimana mereka mampu berinteraksi, beradaptasi,
dan menyerap atmosfir yang berbeda itu, untuk melahirkan karya-karya yang lebih
tangguh.

“Poetic Everyman Project : Part 1 Micro-Cosmo/ Macro-Cosmos”

Group Exhibition

“Poetic Everyman Project : Part 1 Micro-Cosmo/ Macro-Cosmos”

Amina Mc Convell (AUS), Briony Galligan (AUS), Dyah Purwitasari (INA), Jumaadi (INA bassed in Sydney AUS), Lashita Situmorang (INA), Rachel Hill (UK), Rafaella McDonald (AUS)
Opening : Saturday, Mey 18 2013  19.30 wib
Exhibition current until : mey 31 2013

Artist Talk: Friday, Mey 26 & 27 2013. 15.00 – 17.00 wib

“Motion And Rhythm” by Basrizal Albara, Erizal AS, Ibrahim, Tommy Wondra @ Sangkring Art Project

Group Exhibition

“Motion And Rhythm”

Basrizal Albara, Erizal AS, Ibrahim, Tommy Wondra

Opening : Friday, Juli 5 2013  19.30 wib
Exhibition current until : Juli 19 2013

“Motion And Rhythm”

             Setelah melaksanakan pameran akbar Bakaba #2 pada akhir tahun 2012 lalu, kini Komunitas Seni Sakato kembali hadir memamerkan karya-karya terbaik dari seniman-seniman yang tergabung di dalamnya. Dio Pamola selaku kurator, kali ini mengangkat tema mengenai olahan rasa yang diekspresikan pada media artistik berbasis kecenderungan masing-masing seniman dengan judul Motion and Rhythm. Mereka yang berpameran adalah Basrizal Albara, Erizal As, Ibrahim dan Tommy Wondra.

Mereka hadir dengan kekuatan masing-masing yang mengacu pada kemerdekaan berekspresi secara penuh. Tommy Wondra menampilkan gerakan yang lambat dan pasif pada 64 panel objeknya yang beragam. Lalu, Ibrahim muncul dengan gerakan yang sangat ekspresif dengan 3 karyanya . Begitu juga dengan Erizal yang tampil dengan karyanya yang sarat dengan tarian garis-garis melankolis sebanyak 5 karya. Dan, Basrizal Albara dengan 2 karya patungnya yang sangat menggoda kepekaan artistik. Dalam kebebasan  berekspresi, mereka menata bagaimana objek mampu mewakilkan perkembangan pikiran mereka saat itu dari apa yang mereka tangkap, yang terepresentasikan dalam gerak dan irama mereka sendiri.

UPCOMING Bambang Herras & Yuswantoro Adi @ Sangkring Art Space

Figuring Text –Texting Figure ogz Jogja Contemporary at Sangkring Art Space

Group Exhibition

Agus “Baqul” Purnomo, Anis Ekowindu, Dedy Sufriadi,Farhansiki, Januri, Popok Tri Wahyudi dan Seno Andrianto

Figuring Text –Texting
Opening : Friday, April 12 2013  19.30 wib
Esai : Stanislaus Yangni
Exhibition current until : mey 15 2013

Artist Talk: Senin, 22 April 2013. 15.00 – 17.00 wib

Figuring Text, Texting Figure merupakan tawaran menarik untuk mencari kembali “greget” yang hilang di dunia seni lukis kita. Dengan kata lain, tema ini membuka peluang bagi kita untuk menemukan aisthesis, yang sensible dalam karya seni, yang ternyata telah hilang ditelan oleh representasi.  Aisthesis inilah yang diistilahkan Lyotard sebagai Figur, Figural. Ia hilang lantaran ditelan logika pemaknaan yang dikuasai oleh wacana, semacam sistem tertutup dari bahasa yang mampu membuat orang selalu takut “terpeleset.”  “Yang Figural” bukan tokoh dalam lukisan figuratif, tak sekadar rangkaian huruf atau kalimat dalam sebuah teks, melainkan ritme, intonasi, semacam ‘pemenggalan-pemenggalan’ yang belum ternamai.  Ia lah yang agaknya, dalam istilah Klee, “invisible force,” dan dalam istilah Sudjojono “Jiwa Ketok.” Maka, menemukan “Yang Figural” berarti menemukan kembali logika seni yang khas, bahasa karya yang selalu rela untuk keliru.

Jogja Contemporary mengajak 7 seniman: Agus “Baqul” Purnomo, Anis Ekowindu, Dedy Sufriadi, Farhansiki, Januri, Popok Tri Wahyudi dan Seno Andrianto untuk merangkai bentukan figural dan tekstual dari apa yang mereka tangkap dengan inderawi-seninya dari lingkup hidup sekitarnya.

 =============================================================================

Figuring Text, Texting Figure is an interesting offer in rediscovering the “zest” missing from our world of painting art.  In other word, the theme provide opportunities for us to find the aisthesis, a sensible one within the artwork, which apparently has been lost as it was swallowed by representation. It is aisthesis that Lyotard referred to as Figure, Figural. It  is lost because it is being overwhelmed by the logic of meaning ruled by discourses, like a closed system of language that’s able to make people fear of “slipping”. “The Figural” is not the figure in figurative paintings, not merely a series of letters or sentences in a text, but the rhythm, intonation, a type of ‘truncation’ that is yet to be named. It is  seemingly, in Klee’s terminology, the “invisible force,” and in Sudjojono’s term, “Visible Soul.” Thus, finding “The Figural” is rediscovering a distinctive art logic, the language of work that is willing to be wrong.

Jogja Contemporary invited 7 artists: Agus “Baqul” Purnomo, Anis Ekowindu, Dedy Sufriadi, Farhansiki, Januri, Popok Tri Wahyudi and Seno Andrianto to compose figural and textual visuals from what they perceived using their artistic senses from their niche.

Solo Exhibition mem’O’ria personal by I Made Mahendra Mangku @ Sangkring Art Project

Solo Exhibition I Made Mahendra Mangku
Mem’O’ria Personal
Opening : Friday, April 12 2013  19.30 wib
Writer : Apriadi Ujiarso
Exhibition current until : mey 12 2013

Memòria Personal I Made Mahendra Mangku

I

Sewaktu Piodalan Pura Dalem Sukawati pada 27 Maret 2012, saya berkesempatan menemani  I Made Mahendra Mangku, akrab disapa Mangku, tangkil di Pura besar itu untuk sembahyang sekaligus meminta ijin kepada para Dewa dan Leluhur sebelum  merias wajah dan memakai kostum seorang penasar. Wajahnya yang semula serius berubah menjadi sangat kocak. Bersama Pan Dabdab, seorang legenda hidup lawak Bali Klasik, Mangku memainkan perannya, menghibur dan mencerahkan masyarakat melalui banyolan mengena di dalam konteks cerita Calon Arang. Tahun itu, mereka berdua bersama para pengayah Pura Dalem Sukawati lain, memberi energi positif bagi desa beserta dinamika masyarakat di dalamnya. Ngayah atau kerja voluntary adalah praktek umum masyarakat Bali di dalam konteks hubungan sosial dan religi. Para Pengayah tidak menarik bayaran atas kerja yang mereka lakukan pada acara semacam piodalan yang penyelenggaraannya membutuhkan dana besar. Bagi Mangku, pilihan menjadi penasar menyediakan umpan balik yang strategis, yaitu menyediakan ruang untuk menengok keklasikan Bali sekaligus kesempatan untuk latihan mengolah rasa.

Mangku Lahir di Sukawati – Gianyar, Bali pada 1972, ketika kali pertama diajak sang ayah ke museum Puri Lukisan – Ubud, melihat lukisan – lukisan yang mempesona hatinya, seketika memimpikan dirinya menjadi seorang pelukis handal. Sang Ayah yang petani, meski usianya pendek, namun telah menunjukkan bakat juga memberi semangat kepada anak keduanya itu untuk tidak berhenti pada mimpi. Pada usia 8 tahun, Mangku, mulai belajar melukis tradisi kepada beberapa pelukis Bali Klasik tingkat lokal, dia pun sempat belajar kepada Ida Bagus Poleng. Menyadari kekurangan finansial di keluarganya, Mangku selanjutnya belajar – bekerja prada, yaitu sebagai tukang mewarnai lukisan pada art-shop setempat. Mangku kecil mulai fasih dengan pewarnaan gaya lukisan Bali Klasik, semisal gaya Batuan, Pengosekan dan Ubud.

Mangku adalah seorang pembelajar cepat, penuh semangat, taktis, dan rapi menyimpan ingatan visual. Minatnya dalam representasi artistik semakin membuncah, selepas membaca berita pameran tunggal perupa Made Budhiana di The Northen Territory Museum of Arts & Sciences, Darwin – Australia (1989). Mangku menetapkan diri meninggalkan kerja sebagai tukang dan meningkatkan level pendidikan di SMSR, dengan minat khusus kepada seni rupa modern. Di sekolah ini Mangku bertemu dengan para guru termasuk Pande Gede Supada yang banyak memberi arahan dan bimbingan teknis. Mangku juga bertemu dengan teman – teman baru dengan segala keunikan, kelebihan dan kekurangannya. Hingga kini banyak diantara teman itu selanjutnya menjadi sahabat baik Mangku di dalam suka.

Pada masa itu pula Mangku memiliki kesempatan bertemu dan belajar dengan satu seniman yang dikagumi, Made Budhiana yang ternyata adalah inspiratof dari banyak calon perupa muda Bali waktu. Menurut Putu Sutawijaya, di dalam konteks seni rupa Bali yang sarat tekanan, Made Budhiana adalah sosok perupa yang banyak membantu calon seniman muda Bali untuk belajar bagaimana menjadi bebas.

II

Mangku menumbuhkan kepercayaan diri dengan memasuki kota budaya Yogyakarta, juga atas dorongan semangat dari Pak Bengsong, ayah seniman Mantra Ardhana. Mangku menjalani kuliah di Insitut Seni Rupa (ISI), bergabung dengan Sanggar Dewata Indonesia (SDI), menerima beasiswa Supersemar,  mengikuti berbagai pameran, dan meraih beberapa penghargaan sebagai yang terbaik, serta secara diam – diam, pacaran.

Pada periode ini Mangku semakin sadar akan kekurangannya dalam hal bentuk dan garis, sebaliknya makin paham potensinya dalam hal warna. Selanjutnya kesadaran itu mengarahkan Mangku untuk mencari acuan bahasa visual non – Bali yang cocok dengan karakternya. Pada level nasional, Mangku mengacu kepada karya – karya Zaini (17 Maret 1926 –  25 September 1977), pelukis asal Pariaman yang pendidikan formalnya hanya kelas V Sekolah Rakyat. Sedang pada tingkat global, Mangku utamanya memilih acuan mula – mula kepada Robert Rauschenberg (AS) hingga kepada Antoni Tapies (Spanyol).

Pilihan acuan bahasa visual, terutama kepada tiga perupa di atas, bukannya tanpa konsekuensi. Saya menduga Mangku telah mengarah kepada pribadi yang anti – akademik. Menganggap ijazah bukan hal penting. Mangku mengambil cuti kuliah dengan alasan ketidakcukupan finansial, memilih fokus berkarya dan pameran, namun tetap dengan diam – diam intens berpacaran.

Terima kasih kepada perupa Sumadiyasa yang agaknya tahu arah perubahan itu, sehingga sebelum terlanjur jauh, secara halus dia telah berhasil “memaksa”, sehingga Mangku membuat karya Tugas Akhir, sebagai cara merampungkan kuliah. Sebagai catatan, hingga kini Mangku tidak pernah menghitung pameran tugas akhir di dalam daftar pameran tunggalnya.

III.

Malam itu, 6 Maret 2012, sekitar 40 hari setelah wafatnya Antoni Tapies (13 Desember 1923 – 6 February 2012), saya  bertandang ke studio Mangku, yang tidak jauh dari jalan raya Sukawati. Studio itu tidak besar namun bersih lagipula terasa nyaman, utamanya bagi Mangku saat bekerja memproduksi karya visualnya. Beberapa kanvas besar tampak tertata rapi pada satu rak tinggi dan lebar disain khusus untuk memudahkan akses penyimpanan karya dan sebaliknya. Selepas tersedia kopi, ditemani Wayan Arnata dan Wayan Santiyasa, saya merekam perbincangan kami berkait perjalanan karir Mangku di wilayah seni rupa. Mulai dari konsistensinya di wilayah abstrak, pengabaian terhadap wacana seni rupa kontemporer, harapan bisa berpameran tunggal lagi di tahun itu dan pengakuannya yang kini lebih mengutamakan rasa di dalam berkarya. Mangku juga mengaku kerap menghentikan proses berkarya apabila akal telah melakukan intervensi apalagi bila telah memanipulasi rasa.

Maka pameran lukisan bertajuk Memòria personal I Made Mahendra Mangku di Sangkring art – space ini adalah pameran tunggalnya yang ke tujuh, sekaligus penanda 21 tahun perjalanan karirnya di dunia seni rupa. Sejumlah 30 karya lukis yang dibuat Mangku di sepanjang waktu 2012 dan awal 2013, itu terdiri dari 22 lukisan di atas kertas dan 8 sisanya adalah lukisan di atas kanvas. ke – 30 karya abstrak dengan komposisi yang khas itu, merupakan buah daripada proses penciptaan Mangku terkini dengan pendekatan yang lebih mengutamakan rasa di dalam penciptaan hingga berakhirnya proses produksi. Namun berdasarkan observasi saya yang sekilas terhadap kemunculan tanda ikonik black cross di beberapa karya, saya menduga Mangku lebih banyak menyandarkan rasa untuk secara personal mengenang Antoni Tapies (dibaca, TAH-pea-ess), perupa abstrak kelas dunia yang lahir dan wafat di kota Barcelona – Spanyol, dalam usia 88 tahun. Bisa jadi cara Mangku mengapresiasi tanda – tanda visual Antoni Tapies itu punya banyak kemiripannya dengan para fans klub Barcelona di seantero dunia.

Ke – 30 karya abstrak Mangku ini mendapat perlakuan display secara rapi dan menarik. tim kreatif Sangkring membaginya ke dalam delapan klaster, dengan 4 bagian karya kertas dan sisanya karya kanvas. Pembedaannya berdasar urutan seri karya arahan  senimannya sendiri. Sedangkan penyajian display dilakukan secara berselang – seling agar lebih  variatif, sehingga enak dilihat dan nyaman. Dengan begitu penikmat secara bebas bisa membuat linearitas kecenderungan rasa yang menjadi dasar – dasar kreativitas Mangku Mahendra, selepas wafatnya Antoni Tapies, dan selepas piodalan Pura Dalem Sukawati 2012, hingga dikirimnya tigapuluh karya abstrak itu ke Sangkring art Space.

Apriadi Ujiarso

Dokumentasi Display mem’O’ria personal

Dokumentasi Opening mem’O’ria personal

1 2 ►

Blossom by Stephan Spicher @ Sangkring Art Space

Solo Exhibition Stephan Spicher
Blossom
Opening : Saturday, March 2 2013  19.30 wib
Curator : Mr. Urs Ramseyer
Exhibition current until : April 2 2013

BLOSSOM

From eternal line to blossom

Anyone  who has followed Stephen Spicher’’s work over the past years knows, this artist was a consummate draftsman and painter of the ‘‘Eternal Line’’, which has given all his works and exhibitions name and title. The line, drawn and painted, was his path and medium to go beyond the limits of the visible imagein order to step out in the eternal and non- graspable space, with the intention and the goal to understand a little bit more of what we call ‘‘eternity’’.

During several working stays in Southeast Asia and especially in Bali, and after intensive observation and perception of bamboo, rice paddies, and flowers, Stephan Spicher had been increasingly concerned with the line in the realm of plants, with the result that his ‘‘Eternal Line’’ transformed, in a wondrous metamorphosis and with inner necessity, into bamboo.

From the very beginning, Stephan Spicher’’s intellectual and artistic exploration of the origin and nature of the BLOSSOM has evolved on the level of various artistic means and positions. First gold flowers started to unfold on picturesque atmospheric backgrounds, applied on canvas and aluminium, works, which theartist exhibited in two major exhibitions at the Ludwig Museum in the Russian Museum in St. Petersburg and in the New National Library in Singapore. In afollowing step, Spicher created works in which blossoms from lacquer on paper literally seemed to detache themselves from their background, thus becoming independent ‘‘picture-objects’’. Consequently, by now the artist began to detach his BLOSSOMS out of her pictorial context and to treat them as free forms of their own.

Blossom and the cycle of life

In Japan, hanami, the viewing of the cherry blossom, is a centuries-old tradition. With their homage to flowering the Japanese are, time and again, celebratingthe overwhelming beauty of the BLOSSOM. But at the same time they are also pondering the ephemeral nature of blooming in their own life. Thus, the BLOSSOM simultaneously stands for eternal beauty as well as for transience and the volatile nature of life.

In China, the character for ““flower open”” stands for youth, and the one for ““flowers fall”” is to say that youth comes and goes. ““Flowers Bloom and Flowers Wither”” —— hua hua kai xiè—— is a metaphor that speaks about the cycle of life and the fact that things in life come and go. In Taoist traditions of China the highest level of enlightenment is depicted as Golden Flower, and in Buddhism and Hinduism, the eight-petalled flower of the lotus is a symbol for the passage of time as well as the seat of the Buddha, of the divine Creator Brahma and the goddess of wisdoms, arts, and sciences, Dewi Saraswati.

In many cultures of the world nature in the context of blooming and withering means transience, but also power of renewal. In the course of an endless cyclicalmotion all natural phenomena are thus brought into a cycle of birth, growth, decay, death and reincarnation. Thus, in the thinking and creating of people from allover the world, trees, plants and flowers have become metaphors for the cycle of life and, at the same time, an object of artistic creativity that points to a life in transition.

Blooming and withering are part of a comprehensive organic process of transformation and renewal. In every bud, the flower, fruit and seed are included. The artistic challenge lies not least in making this multifaceted interpenetration visible and perceptible. Starting from the observation of nature, he transforms both visible and invisible processes and phenomena into a new, artistic reality and statement about the forces of growth and decay.

BLOSSOMS only live for the duration of a moment. Bloom is almost like a snapshot in a long process of growth and decay. It so happens that while in BLOSSOM we already sense withering and thus protect us from the first signs of erosion with cosmetics and surgery, being afraid of our inevitable fading and drying out. The Art of Blooming and Fading has nowadays become a real cornerstone of human self-employment and a global business, too.

Urs Ramseyer

Dokumentasi Display Blossom

1 2 ►